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2008-09-01T22:57:00.015-07:00

Bem-vindo ao Filmmakers! Se você gosta de cinema e de quem faz cinema, veio ao lugar certo. Aqui, você encontrará fatos e curiosidades sobre cinema e sobre quem faz cinema.

Além disso, outras seções de variedades com temas direcionados aos cinéfilos de carteirinha. Tudo isso apresentado numa linguagem gráfica visualmente trabalhada, como uma revista eletrônica, expôndo de forma criativa o universo desses gênios da sétima arte.

A filmografia revolucionária de mestres como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Steven Spielberg, Alfred Hitchcok, Stanley Kubrick, Ridley Scott, Sam Peckinpah, George Lucas, Oliver Stone, e Quentin Tarantino e muitos outros, encontra-se reunida aqui.

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MARTIN SCORSESE

2008-09-01T22:57:00.013-07:00

Um dos mais significantes e influentes realizadores do cinema mundial, o cineasta, produtor e ocasionalmente ator Martin Marcantonio Luciano Scorsese, é uma unanimidade.

Em mais de 40 anos de carreira, foi várias vezes premiado - Globo de Ouro, BAFTA (British Academy of Film and Television Arts), Director's Guild of America, entre outros. Além desses, também é detentor do AFI (American Film Institute) Life Achievement Award, pelo conjunto de sua obra e suas contribuições para a indústria cinematográfica.

Scorsese também é um historiador de cinema, fundador da World Cinema Foundation, que tem como objetivo, restaurar e preservar obras históricas da sétima arte.

Em 2007, Martin Scorsese foi finalmente premiado com o Oscar de Melhor Direção por Os Infiltrados. Numa emocionante cerimônia, o prêmio lhe foi entregue pelos amigos Francis Ford Coppola, Steven Spielberg e George Lucas que, junto com Scorsese, fazem parte de um seleto grupo conhecido como "The 70's movie-brats".

Muitos consideram este prêmio como um "Lifetime Achievement Oscar" (conjunto da obra) pois, comparado a filmes como Taxi Driver ou Touro Indomável, Os Infiltrados não tem a mesma significância em sua filmografia.

Conhecido por suas duradoras parcerias com atores e equipe, Marty (como é chamado pelos amigos), tem com Robert De Niro, sua mais famosa parceria. Juntos, fizeram oito filmes, começando com Caminhos Perigosos (Mean Streets, 1973), passando por Touro Indomável (Raging Bull, 1980), e terminando (até agora) com Cassino (1995).

Gangues de Nova York (Gangs of New York, 2002), marcou o início da parceria entre Scorsese e Leonardo DiCaprio, seguido por O Aviador (The Aviator, 2004), Os Infiltrados (The Departed, 2006), e Ilha do Medo (Shutter Island, 2010). Existem planos de novos projetos com a dupla.

Em sua equipe, destacam-se frequentes parcerias com renomados profissionais como Thelma Schoonmaker, editora de todos os filmes de Scorsese e três vêzes premiada com o Oscar (Touro Indomável, O Aviador e Os Infiltrados).A partir de Taxi Driver, vários outros roteiros de Paul Schrader foram filmados por Scorsese, como Touro Indomável e Vivendo no Limite (Bringing Out The Dead).O diretor de fotografia Michael Ballhaus, participou de várias produções, entre elas, A Última Tentação de Cristo, Goodfellas e Os Infiltrados.Sandy Powell criou os figurinos de Gangues de Nova York e O Aviador, pelo qual foi premiada com um Oscar.Após trabalhar com renomados diretores como Pier Paolo Pasolini, Federico Fellini e Franco Zeffirelli, o diretor de arte Dante Ferretti participou de sete produções de Scorsese, sendo premiado com um Oscar por O Aviador.Robbie Robertson, ex-membro do grupo The Band, produziu várias trilhas-sonoras para Scorsese, mas Howard Shore e Elmer Bernstein foram os compositores de trilhas originais mais presentes de sua filmografia.Famoso pelas aberturas dos filmes de Alfred Hitchcock, Saul Bass (junto à sua esposa, Elaine) criou o design das aberturas de, entre outros, Goodfellas, Casino e Cabo do Medo.

Em 1988, Scorsese encomendou a Peter Gabriel a trilha-sonora original de A Última Tentação de Cristo (The Last Temptation of Christ). O álbum da trilha foi lançado com o título Passion: Music for The Last Temptation of Christ, tornando-se um dos grandes responsáveis pela popularização do gênero World Music.

No Direction Home (2005), é um documentário de longa-metragem sobre a vida de Bob Dylan abordando o impacto que sua música causou na cultura pop americana e o filme-concerto, Shine a Light (2008), registrou os shows da banda Rolling Stones (da qual Scorsese é fã confesso) no Beacon Theatre de Nova York em 2006. Além dos shows, o filme intercala entrevistas e material histórico da banda.
Em diversas ocasiões, Scorsese aparece como ator, interpretando pequenos papéis em seus filmes ou como convidado em outras produções.

Em sua filmografia, destacam-se personagens como Jimmy Shorts, de Caminhos Perigosos, e o passageiro homicida que pretende assassinar sua esposa e o amante em Taxi Driver. Além desses, ele foi um diretor de TV em O Rei da Comédia e emitiu pelo rádio, os chamados de socorro aos paramédicos de Vivendo no Limite.

Em 1986, participou de Por Volta da Meia-Noite (Round Midnight), de Bertrand Tavernier, e em 1990, foi convidado por Akira Kurosawa para interpretar o pintor Vincent Van Gogh em um dos episódios do filme, Sonhos (Dreams).

Anos mais tarde, deu voz ao personagem Sykes, no filme de animação da Dreamworks, O Espanta-Tubarão (Shark Tale - 2004). Baseado na própria pessoa de Scorsese (com sobrancelhas grossas e fala rápida), Sykes é um peixe-baiacu emdividado com o chefão mafioso Don Lino, um tubarão interpretado pelo parceiro Robert De Niro.

Em 1967, Scorsese realizou seu primeiro longa-metragem em preto e branco, Who's That Knocking On My Door, com a participação do colega Harvey Keitel e da editora Thelma Schoonmaker que, desde então, passou a ser a editora oficial de todos os seus filmes.

Precurssor de Caminhos Perigosos (Mean Streets), Who's That... já dava uma amostra do "estilo Scorsese", caracterizado pelo foco no cotidiano urbano da Nova York Ítalo-Americana, edição ágil, trilha-sonora composta por música rock e protagonistas em conflito.

Sexy e Marginal (Boxcar Bertha - 1972), um filme-B sobre gângsters na era da depressão americana, teve produção de Roger Corman, lendário diretor-produtor de filmes-B que, além de Scorsese, apradrinhou outros futuros grandes diretores, como Francis Coppola e James Cameron.

O filme é uma adaptação do livro Sister of the Road, escrito em 1972 pelo Dr. Ben L. Reitman como uma fictícia autobiografia da inconformista Bertha Thompson (Barbara Hershey), que junto ao parceiro e amante "Big" Bill Shelly (David Carradine), assaltavam trens nos estados sulistas. Mesmo com narrativa convencional, o filme se mostra genuíno ao abordar temas sexuais e raciais dos anos 30.

Apesar de não ser muito significativo em sua filmografia, Boxcar Bertha foi importante para Scorsese pois, guiado por Roger Corman, ele aprendeu como fazer filmes de maneira rápida e com pouco dinheiro, o que lhe foi muito útil em seu projeto seguinte, Caminhos Perigosos (Mean Streets, 1973).

Influenciado por John Cassavetes, Samuel Fuller e Jean-Luc Godard, o filme foi um marco para Scorsese, De Niro, e Harvey Keitel, inovando pela temática urbana violenta numa linguagem visual crua, estilo filme-documentário.

Nesse ponto, firma-se o "estilo Scorsese", repleto de personagens agressivos, violência gráfica, culpa e redenção religiosa, ambientes do sub-mundo novaiorquino, edição ágil e trilha-sonora com canções selecionadas.

Após Caminhos Perigosos, Scorsese foi muito encorajado (principalmente por Cassavetes) a realizar filmes autorais e evitar projetos encomendados pelos estúdios.

Neste road-movie, acompanhamos Alice (Burstyn), uma viúva que, junto ao filho pré-adolescente, atravessa o sudoeste americano em busca de uma vida melhor.

Alice... foi ao mesmo tempo, criticado e aclamado por grupos feministas, mas para Scorsese, sua ideologia vai além desse aspecto, mostrando um retrato intuitivo, cômico e, às vezes, doloroso da mulher americana independente.

Em 1976, Scorsese estremeceu o mundo do cinema ao dirigir o chocante Taxi Driver (Motorista de Táxi), um filme intenso e violento sobre um homem atormentado que lentamente sucumbe à loucura enquanto dirige um táxi, noite adentro da infernal Manhattan dos anos 70.O "estilo Scorsese" encontrava-se bem desenvolvido, empregando iluminação expressionista, câmera lenta, e tomadas de ponto-de-vista que expressam visualmente a intensidade do estado emocional de seu protagonista, Travis Brickle, uma desconsertante criação de Robert De Niro, também responsável pelo sucesso do filme.

Taxi Driver marcou o início de uma série de colaborações entre Scorsese e o roteirista Paul Schrader - também diretor de, entre outros, Gigolô Americano (American Gigolo, 1980), e A Marca da Pantera (Cat People, 1982).

Segundo Schrader, Taxi Driver salvou sua vida. Em 1973, o roteirista vivia no limite. Divorciado, desempregado e falido, Schrader tornou-se alcólatra, e num momento de extrema depressão, considerou o suicídio. Ao invés disso, resolveu escrever uma história sobre alienação urbana que viria a definir a brutalidade da vida nas ruas da América.

O roteiro percorreu um longo caminho até chegar às mãos de Scorsese e deu a Schrader, seu primeiro grande contrato.

Provocador e controverso, cinco anos após seu lançamento, Taxi Driver tornou-se novamente manchete dos jornais, quando John Hinckley Jr., tentou assassinar o então Presidente, Ronald Reagan. Mais tarde, Hinckley confessou que seu ato foi o resultado da obssessão que tinha pela personagem de Jodie Foster. O filme também contém uma cena em que Travis Brickle (personagem de De Niro), tenta assassinar um senador pelo mesmo motivo de Hincley.

Leia o artigo CABIN FEVER (em inglês).Taxi Driver ganhou a Palma de Ouro no Festival de Cannes de 1976. Também foi indicado a quatro Oscars, incluindo Melhor Filme, mas não foi premiado.

Além do parceiro De Niro, o elenco do filme também conta com Liza Minnelli, filha do lendário diretor de musicais da época de ouro de Hollywood, Vincent Minnelli.

Subestimado, New York, New York apresenta um contraste entre a paranóia de De Niro e a insegurança de Minnelli, com destaque para sua apurada trilha-sonora, incluindo a clássica canção-tema, eternizada na voz de Frank Sinatra.

No ano seguinte, dirigiu o documentário The Last Waltz (O Último Concerto de Rock - 1978), que cobriu o show de despedida do conjunto de folk-rock, The Band, encerrando uma tournée que durou 16 anos.

The Last Waltz inclui performances ao vivo da banda e de convidados como Eric Clapton, Bob Dylan e Neil Young, entre outros, intercaladas por entrevistas feitas pelo próprio Scorsese com os membros do The Band.

Touro Indomável (Raging Bull, 1980), a violenta biografia do campeão de boxing pêso-médio, Jake La Motta, reuniu pela primeira vez, a dupla Robert De Niro e Joe Pesci.

Apesar do roteiro ser creditado a Paul Schrader, a versão definitiva é largamente diferente do script original. Várias vêzes reescrito por diferentes autores, o roteiro final acabou sendo escrito por Scorsese e De Niro.

Desde então, Touro Indomável tem sido abertamente celebrado como uma obra-prima, e considerado um dos melhores filmes da década de 80.

O Rei da Comédia (The King of Comedy - 1981), é uma sátira absurdista sobre o culto às celebridades que tem Robert De Niro em mais um tipo difícil: Rupert Pupkin, um comediante psicopata que se acha engraçado a nível profissional.

Após vários fracassos, Rupert e sua parceira desequilibrada Masha (Sandra Bernhard), sequestram o famoso cômico Jerry Langford (interpretado por Jerry Lewis em seu primeiro papel dramático), com a intenção de só libertá-lo caso a emissora de TV coloque Pupkin no ar.

Com este filme, Scorsese pretendia distanciar-se dos temas densos abordados em seus últimos trabalhos e decidiu experimentar o gênero da comédia de humor-negro. Sua linguagem visual difere-se do expressivo estilo habitual com tomadas longas em camera fixa.

O projeto seria originalmente dirigido por Tim Burton, mas ao ler o roteiro, Scorsese se interessou e assumiu a direção enquanto esperava o término da captação de recursos para finalizar A Última Tentação de Cristo.

Depois de Horas não teve sucesso nas bilheterias, mas rendeu a Scorsese o prêmio de Melhor Direção no Festival de Cannes. Com o tempo, tornou-se um cult-movie.

A Cor do Dinheiro (The Color of Money - 1986) dá sequência à história do jogador de bilhar golpista "Fast Eddie" Felson, personagem interpretado por Paul Newman no clássico Desafio à Corrupção (The Hustler - 1961).

Na continuação (que rendeu um tardio Oscar de Melhor Ator a Paul Newman), Felson encontra-se aposentado das mesas quando conhece Vincent (Tom Cruise), um jovem jogador talentoso e inexperiênte. Juntos, embarcam numa viagem praticando golpes em apostas nas salas de bilhar.

Com visual apurado, A Cor do Dinheiro destacou-se como uma investida no "mainstream" comercial de Hollywood. Seu sucesso nas bilheterias proporcionou o financiamento necessário para finalizar um polêmico projeto.

Adaptado do controverso livro de Nikos Kazantzakis, A Última Tentação de Cristo (The Last Temptation of Christ - 1988) foi totalmente filmado no Marrocos e registra um momento inspirado de Scorsese ao narrar o tormento de Jesus Cristo (Willem Dafoe) durante sua transição de homem comum para o messias, filho de Deus.

O filme abre com uma declaração explicando que se encontra distânciado da versão bíblica da vida de Jesus, e que também não tem a intenção de recriar com exatidão, os eventos descritos nos Testamentos.

Como no livro, a tese central do filme é que Jesus, ainda livre do pecado, encontra-se sujeito à todas as formas de provações que os homens sofrem, incluindo medo, dúvida, depressão, relutância, e luxúria. Esta alternativa inclui Cristo sendo tentado ao imaginar a si mesmo envolvido em atividades de natureza sexual, uma idéia que causou polêmica entre grupos Cristãos.

Baseado no conto O Jogador, de Dostoevsky, Life Lessons tem Nick Nolte como Lionel Dobie, um aclamado artista plástico que sofre um bloqueio criativo antes da estréia de sua exposição, e Rosanna Arquette como Paulette, sua assistente, aprendiz e ex-amante.Toda a história passa-se no apartamento/studio de Lionel, ao som da canção "Whiter Shade of Pale" de Procol Harum.

Os Bons Companheiros (Goodfellas, 1990) conta a história real da ascensão e queda de Henry Hill (Ray Liotta) e seus parceiros no crime organizado, Jimmy Conway (Robert De Niro) e Tommy DeVito (Joe Pesci), ao longo de dez anos.

Após uma década de temas variados, o épico sobre crime organizado foi um retorno ao estilo Scorsese, e sua mais concreta realização desde Touro Indomável. Um desfile de técnicas cinematográficas que restabeleceu a reputação genial do diretor para inovar suas narrativas.

Situado na "Little Italy", o filme basea-se no livro verídico de Nicolas Pileggi, Wiseguy, adaptado pelo próprio e por Scorsese (mais tarde, os dois voltariam a se reunir em Casino, também de Pileggi), e trás de volta a dupla De Niro e Joe Pesci (vencedor do Oscar de Ator Coadjuvante), além de Ray Liotta, Lorraine Bracco e Paul Sorvino.

O resultado final foi um dos filmes mais cultuado de Scorsese, sucesso de bilheteria e vencedor do Leão de Prata de Melhor Direção no Festival de Veneza.

Na versão de 1991, Robert De Niro (em sua sétima parceria com Scorsese) assume o papel do psicopata Cady, e Nick Nolte faz o advogado, Bowden. Gregory Peck e Robert Mitchum também participam do filme. Peck é o advogado de defesa de Cady, e Mitchum, um delegado de polícia.

O elenco também inclui Jessica Lange e Juliet Lewis, respectivamente, como esposa e filha de Bowden.

O filme assimila elementos característicos do original ao estiloso visual de Scorsese. A abertura leva a marca de Saul Bass (designer das aberturas dos filmes de Alfred Hitchcock) e a trilha-sonora foi adaptada por Elmer Bernstein a partir da original de Bernard Hermann (autor da trilha de Taxi Driver, seu último trabalho). Ao mesmo tempo, a narrativa visual de Scorsese experimenta diversas técnicas modernas de efeitos visuais, filmadas em wide-screen Panavision.

Fortemente criticado pelas cenas de violência sexual, Cabo do Medo foi indicado a dois Oscars e tornou-se um dos maiores sucessos de bilheteria de Scorsese, somente superado 13 anos depois, por O Aviador e Os Infiltrados.

Recém-chegada da Europa, Ellen choca a sociedade local com seu compartamento liberal, e junto a Newland, vive um romance que poderá se transformar num grande escândalo.

Nesta terra sem leis, encontramos os típicos personagens do universo marginal de Pileggi e Scorsese:

O Tangiers Casino e o crime organizado de Las Vegas são comandados à distância pelos chefões da máfia liderada pelo "mob boss", Remo Gaggi.

O filme é quase todo narrado pelos personagens de De Niro e Joe Pesci. Em uma das passagens iniciais, Sam Rothstein define bem a saga dos mafiosos:

"Eu dirigia um dos maiores casinos de Las Vegas, o Tangiers. Este paraíso na Terra me foi dado pelos únicos caras que realmente podem fornecer este tipo de dinheiro. Eu não conheço todos os detalhes. Ninguém conhece. Deveria ter sido perfeito...
mas no fim, nós fodemos com tudo."

Grandioso em todos os sentidos, Casino registra a marca recorde do uso da palavra "fuck" (foda, foda-se ou fudido), repetida 422 vêzes durante o filme.

Assim como em outros filmes de Scorsese, a trilha sonora de Casino é exemplar. Ao longo de quase três horas de duração, destacam-se as canções de Louis Prima, Muddy Waters, Fleetwood Mac, B.B. King, The Animals e vários outros clássicos que marcaram época.

Identificado como a reencarnação do Dalai Lama, o "Buda da Compaixão", o garoto é levado para Lhasa, onde é educado como monge e preparado para tornar-se Chefe de Estado. Aos quatorze anos de idade, passa a enfrentar problemas com o governo da China, que pretende se apossar do Tibet.

Apesar de fracassar nas bilheterias, Kundun destaca-se pela belíssima fotografia de Roger Deakins, um registro luminoso composto por imagens surreais, místicas e abstratas.

Seu apurado visual ganha força através da minimalista trilha sonora composta por Philip Glass, que assimila influências musicais da região do Himalaia.

Estressantes plantões noturnos em uma ambulância na Nova York do início dos anos 90. Esse é o tema de Vivendo no Limite (Bringing Out The Dead - 1999), adaptado por Paul Schrader do bestseller autobiográfico de Joe Connelly.

Mais loucos do que Frank, são seus colegas paramédicos. Ving Rhames é um pragmático religioso. Tom Sizemore, um agitado psicopata, e John Goodman, um paranóico.

Pelo rádio da ambulância, o próprio Scorsese realiza os chamados de socorro ao som da trilha sonora composta por clássicos pop-rocks de bandas como The Clash, R.E.M., The Marvelettes, Van Morrison e The Who.

O épico Gangues de Nova York (Gangs of New York - 2002), baseia-se no livro de não-ficção, The Gangs of New York, escrito por Herbert Asbury em 1928.

Claramente influênciado por grandes cineastas italianos, como Luchino Visconti e Federico Fellini, o filme foi inteiramente rodado nos famosos estúdios da Cinecittà, em Roma, que abrigaram os grandiosos cenários criados pelo premiado diretor de arte, Dante Ferretti.

Gangues de Nova York é um antigo projeto que Scorsese tentou levar às telas pela primeira vez, em 1978. Na época, tinha a intenção de escalar no elenco, os membros da banda punk britânica, The Clash.

Nova York, 1846. No distrito de Five Points, na baixa-Manhattan, uma guerra territorial desenvolve-se há anos entre duas facções: Os Nativistas (composta por descendentes de imigrantes inglêses protestantes, nascidos na América), e os Dead Rabbits, em sua maioria, recém-chegados imigrantes irlandêses católicos.

Durante um sangrento confronto, Priest Vallon (Liam Neeson), líder dos Dead Rabbits, é morto por Bill "The Butcher" Cutting (Daniel Day-Lewis), líder dos Nativistas. O violento episódio acontece diante dos olhos do menino Amsterdam, filho de Vallon. Derrotados, os Dead Rabbits são banidos da sociedade local, e Amsterdam é enviado a um orfanato, onde passa os próximos 16 anos.

Finalizado em 2001, o filme permaneceu arquivado por mais de um ano, pois a produtora Miramax receiava que as cenas de tumulto nas ruas mostradas no filme, iriam incomodar o público após os atentados de 11 de setembro. Além disso, a última imagem do filme mostra uma Nova York moderna, ainda com as Torres Gêmeas. Scorsese decidiu manter a tomada pois, sua intenção era fazer um filme sobre aqueles que construíram a cidade, e não se deixar influênciar pelos que tentaram destruí-la.Vivendo em Los Angeles, Hughes passa a investir na indústria do cinema. Sua maior realização foi a mega-produção Hell's Angels (1930), um épico de guerra que ele mesmo escreveu e dirigiu. Obssecado, leva três anos para completar o filme, enlouquecendo sua equipe durante as filmagens das realistas batalhas aéreas (captadas por mais de vinte câmeras) que consumiram 3.8 milhões de sua própria fortuna.

Ao mesmo tempo, vive tumultuados romances com estrelas de Hollywood, como Katharine Hepburn (Cate Blanchett, vencedora do Oscar de Atriz Coadjuvante), Jean Harlow (Gwen Stefani) e Ava Gardner (Kate Beckinsale).

Megalomaníaco e visionário, desenvolve revolucionários projetos de aviação que trouxeram enormes avanços tecnológicos para a indústria. Aviador e entusiasta, Hughes fazia questáo de ser o piloto-de-teste destes novos aviões, muitas vêzes, sofrendo graves acidentes.

O filme também aborda seu notório distúrbio emocional. À certa altura Hughes desenvolve um grave transtorno compulsivo-obssessivo que o leva à reclusão.

No clássico estilo Scorsese, Os Infiltrados expõe as intrigas da corrupção na polícia de Boston, em conflito com o FBI numa batalha contra a máfia irlandêsa local.

Em seu terceiro filme com Scorsese, Leonardo DiCaprio retorna como Billy Costigan, um policial novato, recém-saído da academia de polícia que é recrutado pela Unidade de Investigações Especiais. Seu passado marginal e suas ligações familiares com o crime organizado, fazem dele o agente ideal para se infiltrar no submundo de Boston.

Jack Nicholson é Frank Costello, o violento e psicótico chefão do grupo mafioso no qual Costigan deve se infiltrar. Inicialmente, Robert De Niro estava cotado para o papel, mas Scorsese optou por Nicholson para diferenciar o elenco em relação a seus outros filmes de temática criminal.

Matt Damon é Colin Sullivan, protegido de Costello desde criança, tornando-se seu agente infiltrado na polícia de Boston. Sua tarefa é desarticular as operações policiais que visam derrubar Costello. Durante sua pesquisa para o personagem, Damon trabalhou no departamento de polícia de Massachusetts, acompanhando policiais em rondas e realizando procedimentos do cargo de seu personagem.

O elenco inclui Martin Sheen, Alec Baldwin e Mark Wahlberg como integrantes da Unidade de Investigações Especiais.

Após o lançamento, Os Infiltrados mostrou-se controverso em Boston por sua recriação da cultura "estranguladora" característica dos gângsters, da polícia e dos políticos locais. Durante anos, a "lei do silêncio" imperou na cidade, resultando numa epidemia de mortes violentas causadas pelo tráfico de heroína e oxycontin mostrados no filme. Autoridades municipais de Boston vieram à público expressando sua repúdia a esse aspecto do filme.

Scorsese e DiCaprio continuam sua parceria com o thriller, Ilha do Medo (Shutter Island, 2010), também com Mark Ruffalo, Ben Kingsley, e Michelle Williams no elenco.

A trama acompanha dois investigadores (DiCaprio e Ruffalo) que tentam esclarecer o misterioso desaparecimento de uma paciente em um sanatório para criminosos insanos, situado numa sinistra ilha na costa de Massachusetts, em 1954.

O filme foi adaptado a partir do livro escrito por Dennis Lehane em 2003 com título brasileiro Paciente 67. Lehane ganhou notoriedade em Hollywood depois do sucesso da versão de seu livro Sobre Meninos e Lobos (Mystic River, 2001), dirigido por Clint Eastwood e que rendeu a Sean Penn, o Oscar de melhor ator. Em 2007, Ben Affleck estreiou na direção com Medo da Verdade (Gone Baby Gone), outro romance policial de Dennis Lehane.

Além de produtor executivo, Scorsese dirigiu o episódio de abertura da série, Boardwalk Empire (2010), produzida pela HBO. Estrelada por Steve Buscemi e Michael Pitt, a série foi criada por Terence Winter, (roteirista de The Sopranos) e baseada no livro Boardwalk Empire: The Birth, High Times and Corruption of Atlantic City, de Nelson Jordan.

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FRANCIS FORD COPPOLA

2008-09-01T22:57:00.009-07:00

O diretor, produtor e roteirista Francis Ford Coppola, é considerado por muitos como um cineasta de "veia artística", e como artista, não segue padrões cinematográficos. Ou seja, às vezes ele acerta, e às vezes, não.

Em mais de 40 anos de carreira, realizou obras que entraram para a história do cinema (como os dois primeiros filmes da saga O Poderoso Chefão - The Godfather, 1972 / 1974), e outras que chegaram a levá-lo à falência financeira (como O Fundo do Coração - One From The Heart, 1982). Apesar disso, sua credibilidade como cineasta manteve-se firme.

Com origem ítalo-americana, sua família é composta de artistas que o influenciaram, ou seguiram sua tradição.

Sua filha, Sofia, iniciou a carreira fazendo pequenos papéis em seus filmes, até ficar conhecida como Mary Corleone, filha de Michael Corleone (Al Pacino) em O Poderoso Chefão Parte III. Mas o reconhecimento artístico de Sofia veio como diretora e roteirista de As Virgens Suicidas (The Virgin Suicides, 1999) e Encontros e Desencontros (Lost in Translation, 2004) pelo qual recebeu o Oscar de Melhor roteiro original, além de resgistrar um marco como a primeira mulher indicada ao Oscar de Melhor direção.

Mais tarde, assumiu papéis mais significativos em Cotton Club (1984) e Peggy Sue, Seu Passado a Espera (Peggy Sue Got Married, 1986).

Francis Ford Coppola estudou cinema na UCLA (University of Southern California). Nesse período, fez vários curta-metragens, alguns até pornográficos.

Após Dementia 13, Coppola ficou conhecido como cineasta e passou a receber propostas para direção.

Caminhos Mal-Traçados (The Rain People, 1969) teve a colaboração do amigo de faculdade, George Lucas, e em seu elenco, atores que viriam a trabalhar com Coppola em outros filmes como Robert Duvall e James Caan.

Em 1969, junto ao parceiro e amigo George Lucas, Coppola fundou o American Zoetrope Studios em São Francisco. O primeiro projeto da dupla foi a ficção-científica THX 1138 (1971), dirigido por Lucas e estrelado por Robert Duvall.

Coppola ganhou um Oscar em 1971 pelo roteiro de Patton, mas sua reputação de cineasta se estabeleceu como diretor de O Poderoso Chefão (The Godfather, 1972).

Baseado no bestseller de Mario Puzo (adaptado pelo próprio junto com Coppola) o filme narra a saga criminosa da família Corleone em Nova York nas décadas de 40 e 50. Em seu elenco estelar, destacam-se Marlon Brando, Al Pacino, Robert Duvall, James Caan e Diane Keaton.

Gene Hackman é um sofisticado profissional da espionagem que entra em crise ao descobrir a finalidade escusa do trabalho para o qual foi contratado. Hackman declara ser este, um de seus filmes preferidos.

Coppola adaptou o roteiro de O Grande Gatsby (The Great Gatsby, 1974) a partir do livro de F. Scott Fitzgerald. Mesmo com astros como Robert Redford e Mia Farrow no elenco, o filme foi um fracasso de público e crítica. Mas seu projeto seguinte viria a ser outro marco na história do cinema.

O Poderoso Chefão Parte II (The Godfather Part II, 1974), dá sequência à história da família Corleone, agora com Michael (Al Pacino) como o chefão mafioso. Além dos atores originais, Coppola convidou Lee Strasberg, famoso fundador do Actor's Studio, e o jovem Robert De Niro.

Martin Scorcese sugeriu a Coppola a escalação de De Niro para interpretar o jovem Vito Corleone. O roteiro (novamente adaptado por Coppola e Puzo), narra paralelamente a ascenção de pai e filho ao poder no crime organizado em suas respectivas épocas.

Assim como seu predecessor, O Poderoso Chefão Parte II foi um grande sucesso de público e crítica, registrando o marco de ser a única sequência vencedora do Oscar de Melhor filme. Coppola também foi honrado com os prêmios de melhor diretor e roteiro adaptado.

Após o sucesso dos filmes do Chefão, Coppola iniciou a produção de um antigo e ambicioso projeto.

Além disso, Coppola ainda não tinha credibilidade suficiente para realizar o filme. Mas após os Oscars e o retorno comercial dos Chefões, tudo mudou.

Tendo filmado várias produções nas Filipinas, Roger Corman ofereceu o seguinte conselho a Coppola: "NÃO VÁ!".

Coppola sempre usou música para reforçar a história. A trilha-sonora original de Apocalypse Now, foi composta por seu pai, Carmine Coppola, adaptada num estilo eletrônico-progressivo. O filme também inclui a canção The End, da banda de rock dos anos 60, The Doors, além de Cavalgada das Valquírias, de Richard Wagner, usada como tema da Air-Cav, e executada através de caixas-de-som acopladas aos helicópteros durante um ataque à uma vila vietnamita.

O lançamento do filme foi adiado várias vezes, e ganhou o apelido de "Apocalypse When?" (Apocalypse Quando?) da imprensa, que criticava constantemente a postura artística de Coppola, que por sua vez, quase foi à falência junto com a American Zoetrope. Em sua estréia no Festival de Cannes, o filme foi igualmente aclamado e odiado pela crítica, mas venceu a Palma de Ouro. Com o tempo, ganhou notoriedade como um cult-classic.

"Em princípio, todos os filmes de guerra passam uma mensagem anti-bélica quando descrevem os horrores de um conflito, sendo o mais penoso, a perda de vidas humanas. Mas no caso, meu maior interesse ao examinar este conceito a partir da temática de Heart of Darkness, em que uma sociedade é capaz de enviar assassinos para matar em nome de um ideal moralista."

Em 2001, Coppola lançou Apocalypse Now Redux, restaurando várias cenas cortadas da versão original de 1979, aumentando sua duração para 200 minutos.

Clique na imagem abaixo para acessar o site Apocalypse Now Files, e conheça mais sobre esta obra revolucionária.

Depois do inferno que atravessou para realizar Apocalypse Now, Coppola pretendia fazer um filme menor, mais voltado à música. No entanto, a veia artística do cineasta falou mais alto, e novamente, Coppola se viu no meio de mais uma desgovernada super-produção.

Em termos de bilheteria, o filme também naufragou. Seu custo inicial foi estimado em US$ 2 milhões, mas a insistência de Coppola em construir a cidade de Las Vegas em estúdios, elevou o orçamento à casa dos US$ 25 milhões. Seu faturamento total foi de apenas US$ 600 mil, resultando na falência financeira do cineasta.

Segundo Coppola, seus filmes lançados no restante dos anos 80, e muitos da década de 90, foram feitos com o intuito de quitar as dívidas adiquiridas nessa super-produção.

Em 1983, Coppola lançou dois filmes baseados na obra da escritora S. E. Hinton: Vidas Sem Rumo (The Outsiders) e O Selvagem da Motocicleta (Rumble Fish).

Filmados simultâneamente, os filmes marcaram o início da carreira de vários astros do cinema, como Matt Dillon, Mickey Rourke, Nicholas Cage, Patrick Swayze, Rob Lowe, Emilio Estevez, Ralph Macchio e Tom Cruise.

Vidas Sem Rumo também se destaca por sua trilha-sonora original, composta por Carmine Coppola, que inclui a canção Stay Gold, baseada num famoso poema de Robert Frost, e interpretada por Stevie Wonder.

Além de Matt Dillon e Mickey Rourke, o elenco de O Selvagem da Motocicleta também contou com Dennis Hopper e outros futuros astros, como Nicholas Cage, Diane Lane, Chris Penn e Lawrence Fishburne.

A narrativa visual do filme é composta por fotografia em preto-e-branco bem contrastada, e o uso de processo cinematográfico esférico, com referências à Nouvelle Vague francesa e ao expressionismo alemão.

Sua originalidade se completa através da trilha-sonora composta por Stewart Copeland, ex-baterista da banda The Police. Esta foi a primeira trilha de Copeland que, multi-instrumentista, criou a música de vários outros filmes, como Wall Street (1987), de Oliver Stone.

O filme foi vaiado em sua estréia no Festival de Nova York. Grande parte da crítica o considerou descaracterizado em relação ao estilo visual. Apesar disso, O Selvagem da Motocicleta é hoje visto como um clássico pelos críticos, e junto a Touro Indomável (de Martin Scorsese) foi classificado como um dos melhores filmes dos anos 80.

Coppola e Mario Puzo colaboram mais uma vez no roteiro de Cotton Club (1984), que tem Richard Gere como um trompetista de jazz envolvido com os mafiosos que frequentavam a notória casa de shows do Harlem na Nova York da década de 30.

Os filmes seguintes de Coppola foram projetos pessoais, de pouca significância em sua filmografia.

Despretencioso, Peggy Sue marca o primeiro sucesso comercial de Coppola desde Apocalypse Now.

O filme teve um tímido lançamento, críticas negativas e uma fraca bilheteria. Para piorar, Coppola ainda teve que lidar com a trágica morte de seu filho, Gian-Carlo.

Uma das cenas mais inspiradas do filme mostra o encontro de Tucker com o exêntrico magnata Howard Hughes (Dean Stockwell), dentro de um enorme hangar que abriga o protótipo do avião Hércules. Também perseguido por interesses governamentais, Hughes ajuda Tucker em sua empreitada revolucionária.

Coppola e Puzo encerram a trilogia da família Corleone com O Poderoso Chefão Parte III (The Godfather Part III, 1990), onde Michael tenta legalizar os negócios da família, mas é novamente obrigado a tomar os caminhos criminosos.

Com a excessão de Robert Duvall, o elenco original está de volta. Duvall não conseguiu chegar a um acordo sobre um valor para voltar ao personagem Tom Hagen, meio-irmão de Michael, e "consiglieri" da família. O ator pleiteava uma quantia semelhante à de Pacino, mas os produtores recusaram, substituindo-o pelo personagem B.J. Harrison (George Hamilton), novo advogado dos Corleones.

A música original foi composta por Carmine Coppola, e além dela, o filme apresenta árias da ópera Cavalleria Rusticana de Mascagni, da qual Tony participa na cena final.

Na Transilvânia, Vlad Dracul Terceiro, um cavaleiro romêno da sagrada Ordem do Dragão, conhecida como Draculea, prepara-se para batalha. Sua noiva, Elisabeta, a quem ele preza mais do que qualquer outra coisa na vida, sabe que ele enfrentará uma força devastadora, e que provávelmente, jamais retornará.

Vitorioso, Dracul retorna aos seus domínios e encontra sua amada Elisabeta morta, tendo cometido suicídio após um falso relato da morte do marido em combate. Na visão do Cristianismo, Elisabeta cometeu um pecado que condenará sua alma eternamente.

Irado pela desgraça, Dracul devasta sua capela e num ato de blasfêmia, renuncia a Deus, prometendo erguer-se de seu túmulo para vingar Elisabeta com os poderes das trevas.

Este é o prólogo de Drácula, de Bram Stoker (Bram Stoker's Dracula, 1992), adaptado fiélmente por Coppola a partir da obra original escrita em 1897.

O elenco também inclui Winona Ryder (Mina Murray), Keanu Reeves (Jonathan Harker) e Anthony Hopkins (Van Helsing).Assim como O Fundo do Coração, Dracula também foi totalmente rodado em estúdios, criando uma atmosfera fantasiosa, que nos remete aos filmes de terror do início do século passado. Os efeitos especiais também seguem essa linha, resultando num visual clássico e elegante.

Dois anos após Dracula, Coppola produziu (mas não dirigiu) uma adaptação de outro clássico do horror: Frankenstein, de Mary Shelley, dirigido e estrelado por Kenneth Branagh, e com Robert De Niro no papél do monstro.

Coppola ainda dirigiu mais dois filmes na década de 90:

O filme teve tímida performance nas bilheterias, comparado à outras adaptações de livros de Grisham.

Uma década se passou sem que Coppola fizesse outro filme.

No fim de 2007, Youth Without Youth (sem título em português) chegou aos cinemas com lançamento limitado.

Tetro (2009) foi filmado em locações na Espanha, Buenos Aires e Patagônia. A história narra os conflitos de uma família de artistas imigrantes italianos na Argentina através de gerações. O elenco internacional inclui Vincent Gallo, Maribel Verdú e Carmen Maura.

"O cinema de autor é uma experiência emocionante. É como apresentar um questionamento o qual você não pode responder diretamentamente. Ao fim do processo, quando o filme está pronto, pode-se ter uma idéia inicial da proposta. Minha intenção era realizar um filme emotivo e as coisas que mais me tocam são pensamentos sobre minha família e principalmente, meu pai."

Cinco vezes premiado com o Oscar, Francis Ford Coppola também é proprietário de uma vinícula, da revista Zoetrope All-Story, hotéis, restaurantes e, acima de tudo, junto aos amigos Steven Spielberg, Martin Scorsese, Brian De Palma, e George Lucas, é membro de um seleto grupo conhecido como "The 70's Movie Brats".

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STEVEN SPIELBERG

2008-09-01T22:57:00.007-07:00

Nos últimos 40 anos, a filmografia de Steven Spielberg cobriu diversos temas e gêneros de forte apelo às platéias do mundo inteiro, com enorme sucesso de crítica e bilheteria.

Junto com o amigo e parceiro, George Lucas, Spielberg pode ser creditado como o inventor do cinema "blockbuster" (tradução literal: arrasa-quarteirão, ou simplesmente, campeão de bilheteria). Seus primeiros filmes de aventura e ficção-científica, são considerados como os precurssores do gênero que ficou conhecido como "blockbuster filmmaking".

No fim do século passado, três de seus filmes registraram a maior bilheteria de suas décadas: Tubarão (Jaws, 1975), E.T. - O Extra-Terrestre (E.T. - The Extra-Terrestrial, 1982) e Parque dos Dinossauros (Jurassic Park, 1993).

Atualmente, Steven Spielberg é considerado um dos mais poderosos e influêntes realizadores da indústria cinematográfica americana.

Anos depois, em busca de trabalho em Los Angeles, Spielberg deu dois rolos de Firelight a um produtor como demonstração de seu trabalho. Infelizmente, uma semana depois, a produtora faliu e o tal produtor desapareceu com os rolos. No material restante, já se pode identificar o estilo visual distinto de Spielberg. Em retrospectiva, Firelight foi a base de Contatos Imediatos do Terceiro Grau.

Em 1968, como estagiário no Universal Studios, Spielberg fez um curta-metragem para exibição nos cinemas.

O filme impressionou Sidney Sheinberg (na época, vice-presidente de produção de TV da Universal), e assim, Spielberg tornou-se o mais jovem diretor contratado por um grande estúdio hollywoodiano. Para assumir o cargo, e dar início à sua carreira profissional como diretor de TV, Spielberg abandonou a faculdade em 1969.

Seu primeiro trabalho na TV, foi o segmento Eyes, que fazia parte do episódio-piloto da série Night Gallery, do notório roteirista, Rod Serling - também criador da clássica série de TV, Além da Imaginação (The Twilight Zone).

O segmento não se enquadra na obra de Spielberg, com fotografia e movimentos de camera mais estilizados, bem diferentes de seus filmes futuros.

Depois de Night Gallery, Spielberg dirigiu um episódio completo da série Name of The Game, chamado L.A. 2017. Este episódio de ficção-científica chamou a atenção dos executivos da Universal que então, lhe ofereceram um contrato para dirigir três filmes para a TV.

Após o enorme sucesso de sua exibição televisiva, Encurralado foi lançado nos cinemas internacionais. Como a versão original para a TV tinha apenas 74 minutos de duração (pouco para cinema), Spielberg teve que filmar cenas adicionais para chegar aos 90 minutos desejados. Além disso, o áudio foi remixado para que o som tivesse o padrão necessário das salas de cinema.

O segundo filme, Something Evil, foi feito na esteira do sucesso de O Exorcista, na época, um best-seller que ainda não havia chegado aos cinemas. Savage era o título do terceiro, que caso tivesse sucesso, tornaria-se uma série.

O primeiro filme de Spielberg feito para o cinema foi Louca Escapada (The Sugarland Express, 1974), outro road-movie onde Goldie Hawn ajuda o marido a fugir da cadeia, e após fazerem um policial como refém, embarcam numa jornada em busca de seu filho enquanto são perseguidos pela polícia.

"Um grande, novo diretor, surge no horizonte.", declarou a crítica. Apesar disso, o filme fracassou nas bilheterias e teve um lançamento limitado.

No ano seguinte, os produtores Richard D. Zanuck e David Brown, ofereceram a Spielberg a direção do filme que viria a se tornar seu primeiro blockbuster.

A filmagem foi muito problemática, chamada por Spielberg como sua "provação profissional". A produção esteve perto de ser cancelada várias vezes devido a problemas com o tubarão mecânico, atrasos causados pelas condições do tempo, do mar, e o orçamento que não parava de crescer.

Mesmo assim, Spielberg perseverou e terminou o filme que entrou para a história do cinema como o primeiro blockbuster, faturando a fantástica quantia (na época) de US$ 470 milhões e vencendo três Oscars.
Escrito e dirigido por Spielberg, Contatos Imediatos do Terceiro Grau (Close Encounters of the Third Kind, 1977) narra a história do primeiro contato entre humanos e alienígenas de forma mágica e encantadora.

Richard Dreyfuss (trabalhando pela segunda vez com Spielberg) é Roy Neary, técnico de uma empresa de energia numa pequena cidade do interior que, durante um blackout, tem um encontro com extra-terrestres. A partir daí, passa a ter visões e sente-se compelido a desvendar o mistério que muda definitivamente a sua vida.

O mago dos efeitos especiais, Douglas Trumbull (2001, Star Wars) fez história no registro das formas e luzes das naves, fotografadas pelo premiado Vilmos Zsigmond.

A comédia-pastelão 1941 - Uma Guerra Muito Louca (1941, 1979), faz uma paródia da paranóia americana após o ataque à Pearl Harbour. Reuniu vários nomes vindos do programa humorístico de TV, Saturday Night Live, como Dan Aykroyd, John Belushi e John Candy. Apesar de ser uma grande produção, fracassou nas bilheterias americanas.

Após 1941, Spielberg tinha interesse em dirigir um filme de James Bond, mas George Lucas o convenceu a participar de outro projeto: um filme-homenagem aos seriados de aventura da Era de Ouro de Hollywood.

Caçadores da Arca Perdida (Raiders of the Lost Ark, 1981), foi o primeiro filme do herói Indiana Jones, criado pelo trio composto por Spielberg (diretor), o amigo e criador da saga Star Wars, George Lucas (escritor e produtor) e Harrison Ford, intérprete do arqueólogo aventureiro.

Além do trio, a equipe do filme também conta com o roteirista Lawrence Kasdan (autor dos roteiros dos Episódios V e VI de Star Wars, e diretor de sucessos como O Guarda-Costas) e novamente, o compositor John Williams faz história com o famoso tema musical do herói.

Filmado em locações no Havaí e no Egito, Caçadores da Arca Perdida teve enorme sucesso comercial e estabeleceu de vez a posição de super-astro de Harrison Ford.

Nessa primeira aventura passada em 1936, Indiana Jones parte em busca da Arca da Aliança que, segundo as escrituras, conteria Os Dez Mandamentos trazidos por Moisés do Monte Sinai. Durante a jornada, Jones enfrenta o exército nazista, que pretende se apoderar da Arca e usar seus poderes em sua campanha militar.

Indicado a vários Oscars (incluindo Melhor filme e diretor - terceira de Spielberg), o filme gerou três sequências:

Indiana Jones e o Templo da Perdição (Indiana Jones and the Temple of Doom, 1984), Indiana Jones e a Última Cruzada (Indiana Jones and The Last Crusade, 1989) e, 19 anos depois, Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal (Indiana Jones and The Kingdom of the Crystal Skull, 2008).Saiba mais sobre a série no post GEORGE LUCAS.

Esta encantadora fábula sci-fi, narra a história da amizade entre o menino, Elliot, e um ser alienígena, acidentalmente deixado na Terra por seus semelhantes, e suas aventuras na tentativa de retornar ao seu planeta.

Mesmo não tendo participado do roteiro, Spielberg declara que a história é repleta de referências à sua infância, principalmente no aspecto que remete à separação de seus pais, e o sentimento de solidão.

Mais uma vez, John Williams criou um clássico tema musical, imortalizado na emocionante sequência do voo de Elliot e E.T. sobre a floresta, montados numa bicicleta, e tendo uma enorme lua cheia como fundo.

Além do enorme sucesso comercial, E.T. foi indicado a nove Oscars (mais uma vez, incluindo Melhor filme e diretor), e até hoje, encanta gerações.

No Limite da Realidade (Twilight Zone: The Movie, 1983) foi uma versão da clássica série de TV dos anos 50, Além da Imaginação, de Rod Serling, mesmo criador de Night Gallery, onde Spielberg trabalhou como diretor pela primeira vez na televisão dos anos 60.

O filme é composto por quatro histórias fantásticas (3 delas, adaptadas de originais da série, e uma inédita).

A Cor Púrpura (The Color Purple, 1985), foi baseado no livro vencedor do Prêmio Pulitzer de Alice Walker e estrelado por Whoopi Goldberg, Danny Glover e pela apresentadora Oprah Winfrey. O filme diferencia-se na filmografia do diretor por sua temática racial, abordando os dramas de mulheres negras no início do século passado.

Adaptado da obra autobiográfica de J.G. Ballard, Império do Sol (Empire of The Sun, 1987) narra a saga do menino, James Graham (Christian Bale, aos 12 anos), perdido em meio ao caos da invasão japonesa da China em 1937. Junto ao malandro Basie (John Malkovich), Jamie consegue sobreviver por anos num campo de prisioneiros japones.

Originalmente, o projeto seria dirigido por David Lean, tendo Spielberg apenas como produtor mas, envolvido com a produção de Passagem Para a Índia (A Passage To India, 1984), Lean desistiu do projeto.

A Segunda Grande Guerra e a aviação da época, são como uma obssessão para Spielberg, fruto das histórias vividas por seu pai como tripulante de um avião B-25.

O filme é uma refilmagem de Dois no Céu (A Guy Named Joe, 1943) e foi o último trabalho da atriz Audrey Hepburn. Também foi o último fracasso comercial de Spielberg.

Hook ficou marcado pelo desagrado público do falecido Rei do Pop, Michael Jackson, que não aceitou graciosamente a recusa de Spielberg para interpretar Peter Pan, personagem pelo qual era estranhamente obssecado.

Durante uma conversa com o escritor e amigo, Michael Chrichton, Spielberg indagou sobre seu projeto atual. O autor preferiu fazer sigilo, mas revelou que o tema era engenharia genética e dinossauros. Entusiasmado, o diretor não descansou até conseguir a permissão de Chrichton para filmar uma adaptação de seu livro.O maior problema da produção era justamente a criação dos dinossauros, que iriam exigir efeitos extremamente caros e trabalhosos. Foi aí que George Lucas apresentou a Spielberg a revolucionária tecnologia desenvolvida por sua empresa, a ILM - Industrial Light & Magic, que permitia a inserção digital dos dinossauros realísticamente texturizados e iluminados em tomadas com a camera em movimento.

Em seu elenco, destacam-se Liam Neeson como Schindler, Ben Kingsley como o contador judeu, Itzhak Stern, e Ralph Fiennes como o impiedoso oficial da SS, Amon Göth.

O projeto foi oferecido a Spielberg em 1983, que na época, declinou a produção por não se sentir seguro o bastante para realizar um trabalho que em sua visão, ia além da arte cinematográfica. Mesmo assim, a história assombrou o cineasta pelos próximos dez anos.

Nesse período, Spielberg tentou produzir o filme, convidando Martin Scorsese para direção. Contudo, Scorsese declinou o projeto, argumentando que seria imprescindível que o filme fosse realizado por um diretor judeu, sendo o próprio Spielberg, a melhor opção.

Morgan Freeman, Anthony Hopkins e Matthew McConaughey encabeçam o elenco junto ao novato Djimon Houson, que teve que aprender um pouco de Mende, dialeto original de Sierra Leone para interpretar o nativo capturado por comerciantes de escravos.

Os dinossauros digitais voltaram a atacar em O Mundo Perdido (The Lost World, 1997), a esperada sequência do blockbuster de 1993, Parque dos Dinossauros.

Em O Resgate do Soldado Ryan (Saving Private Ryan, 1998), Spielberg retorna à Segunda Guerra Mundial num épico na tradição dos dramas de guerra de Samuel Fuller. A sequência de abertura que mostra o desembarque das forças aliadas na Praia de Omaha, Normandia, no Dia D, é de tirar o fôlego.

Hanks interpreta o Capitão John Miller, que parte com um grupo de soldados para a França ocupada, numa missão para resgatar o soldado Ryan (Matt Damon), único sobrevivente de quatro irmãos que morreram em combate.
Spielberg optou por uma linguagem visual realística, com tomadas com a camera na mão, estilo documentário e película granulada, realçando a violência e a dramaticidade dos combates. O resultado influênciou visualmente filmes como Falcão Negro em Perigo (Black Hawk Down, 2001) e Círculo de Fogo (Enemy at the Gates, 2001)

O Resgate do Soldado Ryan dividiu a crítica mas teve ótima bilheteria, dando a Spielberg seu segundo Oscar de direção. Também foi o primeiro sucesso da DreamWorks, que co-produziu o filme com a Paramount Pictures.

Spielberg então, assumiu o projeto baseando-se nas anotações deixadas por Kubrick antes de falecer.

Assim nasceu A.I. - Inteligência Artificial (A.I. - Artificial Intelligence, 2001), baseado no conto Super-Toys Last All Summer Long (tradução literal: Super-Brinquedos Duram o Verão Inteiro), escrito por Brian Aldiss no fim dos anos 60 e adaptado pelo próprio Kubrick, que o definia como "uma versão robótica de Pinocchio".

O talento de Spielberg para emocionar as platéias não encontrou harmonia no estilo dramático de Kubrick.
Haley Joel Osment foi escalado para interpretar David, o menino-robô que junto a Gigolo Joe (Jude Law), um robô-prostituto, embarca numa aventura buscando tornar-se um menino de verdade e reconquistar sua "família".

A.I. teve uma cuidadosa campanha de lançamento para situá-lo como um drama sci-fi, evitando ser confundido como um filme-família. A crítica não apreciou, mas o filme faturou mais que o dobro de seu orçamento de US$ 100 milhões.

A ficção-científica neo-noir Minority Report: A Nova Lei (Minority Report, 2002), foi baseada em um conto do lendário escritor de sci-fi, Philip K. Dick (também autor de Do Androids Dream of Electric Sheep?, que em 1982, deu origem ao clássico Blade Runner, de Ridley Scott).

O filme foi aclamado como uma homenagem sci-fi aos filmes-noir, com uma premissa inteligente e concepções visuais de aparatos do futuro criadas a partir das previsões de cientistas e designers conceituados.

Em seu encalço, está o agente do FBI Carl Hanratty (Tom Hanks, em seu segundo filme com Spielberg após Soldado Ryan), que durante anos, faz de tudo para capturá-lo.

O filme foi oferecido e recusado por diretores como Lasse Hallström, David Fincher, Milos Forman e Cameron Crowe. Quando Dicaprio terminou sua participação em Gangues de Nova York, Spielberg havia assumido o projeto.

Viktor Navorski (Tom Hanks) é um cidadão da fictícia nação Krakozhia, na Europa Oriental que, ao chegar em Nova York, é impedido de entrar no país devido a um golpe de estado ocorrido em sua terra natal durante a viagem. Com o passaporte invalidado, Viktor não pode voltar à Krakozhia, sendo obrigado a viver no terminal do aeroporto.

Supostamente, O Terminal foi inspirado na história real de Merhan Karimi Nasseri, um refugiado iraniano que vive no Terminal Um do Aerporto Charles de Gaulle, na França, desde 1988, devido ao roubo de seus documentos.

Recrutado para caçar e matar os terroristas árabes, Avner Kaufman (Eric Bana) lidera o grupo israelense mas, embora fiel à missão, começa a sentir-se moralmente conflituado ao longo da sangrenta vingança em nome de sua pátria.

O elenco também conta com a participação de Daniel Craig (atual intérprete de James Bond) e Geoffrey Rush (Oscar de Melhor Ator em 1996 por, Shine - Brilhante).

Indicado a cinco Oscars (incluindo Melhor Filme e Diretor) e a dois Globos de Ouro, Munique não foi premiado, talvez para não alimentar a polêmica já existente.

Fã declarado da obra do escritor H.G. Wells, sendo Guerra dos Mundos, seu preferido, Spielberg encantou-se com a versão cinematográfica de 1953. Além disso, possui uma das poucas cópias do manuscrito lido por Orson Welles na famosa transmissão de rádio de 1938. Assim, a idéia de uma versão do clássico sempre esteve em seus planos.

Em Guerra dos Mundos (War of The Worlds, 2005), Spielberg optou por uma versão mais fiel ao livro, ao mesmo tempo, adicionando modernidade aos elementos clássicos com intensa dramaticidade e toques de terror.

Assim como na história original, a narrativa é mostrada pelo ponto-de-vista do cidadão comum, que testemunha o impressionante conflito. Em seu segundo filme com Spielberg, Tom Cruise é Ray, o cidadão comum, operário nas docas, divorciado, pai ausente de Robbie (Justin Chatwin) e Rachel (Dakota Fanning) que agora precisa lutar para sobreviver à guerra e salvar seus filhos.

Os fãs de Indiana Jones tiveram que esperar 19 anos para se emocionarem mais uma vez com o herói de Spielberg e Lucas em Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal (Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull, 2008).

Durante os 40 anos de sua carreira de cineasta, Steven Spielberg formou parcerias e trabalhou em colaboração com alguns dos maiores nomes da indústria do cinema.

Richard Dreyfuss foi o primeiro ator-parceiro de Spielberg em três filmes: Tubarão, Contatos Imediatos e Além da Eternidade. Harrison Ford estrelou a série Indiana Jones. Tom Hanks atuou em O Resgate do Soldado Ryan, Prenda-me Se Fôr Capaz, e O Terminal. Por fim, Tom Cruise protagonizou Minority Report e Guerra dos Mundos.

David Brown e Richard D. Zanuck produziram o primeiro lançamento cinematográfico de Spielberg, Louca Escapada (1974), e seu primeiro blockbuster, Tubarão (1975).

Mais tarde, Frank Marshall e Kathleen Kennedy tornaram-se colaboradores frequêntes de Spielberg, produzindo entre outros, E.T., Império do Sol, e os filmes da série Indiana Jones, também produzidos pelo amigo e parceiro, George Lucas que, através da Industrial Light & Magic, disponibiliza a melhor tecnologia de efeitos visuais.

A partir de Contatos Imediatos, Michael Kahn tornou-se o editor oficial de Spielberg. O diretor de fotografia, Janusz Kaminski, trabalha com Spielberg desde A Lista de Schindler (1993). Antes dele, a fotografia de seus filmes contou com o talento de Vilmos Zsigmond (Louca Escapada, Contatos Imediatos), Douglas Slocombe (série Indiana Jones), Allen Daviau (E.T., A Cor Púrpura, Império do Sol) e Dean Cundey (Parque dos Dinossauros, O Mundo Perdido).

A longa e rica parceria entre Spielberg e Williams inclui alguns dos mais famosos temas musicais da carreira do compositor (e da história do cinema), como Tubarão, Contatos Imediatos, E.T. e Os Caçadores da Arca Perdida. Além de Spielberg, Williams também é parceiro de George Lucas, tendo criado a música da saga Star Wars.

A obra de John Williams é amplamente premiada. Nenhum compositor de trilhas se iguala. Até agora, Williams possui 45 indicações ao Oscar, sendo premiado cinco vezes: O Violinista no Telhado (Fiddler on the Roof, 1971), Tubarão (Jaws, 1975), Guerra nas Estrelas (Star Wars, 1977), E.T. (1982) e A Lista de Schindler (Schindler's List, 1993). Além desses, venceu 4 Globos de Ouro e 10 Grammys.

Em alguns projetos, Steven Spielberg teve o privilégio de contar com a colaboração de outros cineastas geniais.

Em 1977, o famoso diretor do cinema-novo francês, François Truffaut, participou como ator em Contatos Imediatos. Stanley Kubrick e David Lean tiveram seus projetos finais realizados por Spielberg (A.I. e Império do Sol). Richard Attenborough interpretou John Hammond, o magnata dono do Parque dos Dinossauros.

Spielberg também já produziu vários filmes para outros grandes diretores. Muitos deles tornaram-se seus amigos, como Robert Zemeckis (todos os filmes do início de carreira, Uma Cilada Para Roger Rabbit e a trilogia De Volta Para o Futuro), Martin Scorsese (Cabo do Medo) e Clint Eastwood (A Conquista da Honra e Cartas de Iwo Jima).

Títulos, ano de lançamento, e diretores.

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GEORGE LUCAS

2008-09-01T22:57:00.005-07:00

George Lucas é um laureado diretor, produtor e roteirista, além de ser o fundador de sua produtora Lucasfilm e das empresas Industrial Light & Magic e Skywalker Sound.

Criador da saga Star Wars (Guerra nas Estrelas) e da série Indiana Jones, Lucas atingiu o status de maior produtor independente do cinema americano.

Durante a década de 60, Lucas estudou cinema na Universidade da Califórnia do Sul, onde conheceu Francis Ford Coppola. Nessa época fez uma série de pequenos filmes, entre os quais, o curta-metragem Electronic Labyrinth: THX 1138 4EB, que iria se tornar mais tarde, o seu primeira longa-metragem.

Após fazer a graduação, fundou o American Zoetrope Studios, em parceria com Coppola, companhia que tinha por objectivo ajudar os realizadores a criar filmes de forma livre, fora do circuito opressivo de Hollywood.

Baseado no curta metragem realizado por Lucas em 1967, quando cursava cinema na USC (University of Southern California), o filme tinha Robert Duvall no papel principal e foi uma parceria entre a Warner Bros. e a Zoetrope.

Mal recebido pelo estúdio, foi lançado em pequeno circuito e não obteve sucesso de bilheteria. Devido à abordagem densa e à temática, THX 1138 é considerado até hoje como um filme difícil, que só obteve sucesso e passou a ser cultuado após a consagração de Lucas com Star Wars.

American Graffiti (1973) passa-se em 1962, numa pequena cidade dos Estado Unidos onde Curt (Richard Dreyfuss) e Steve (Ron Howard) vivem grandes aventuras no último dia de verão antes de partirem para a universidade. Nesta noite, vários acontecimentos ocorrem ao mesmo tempo: brigas de namorados, disputa de racha e pequenos crimes praticados pela gangue dos Faraós, a qual Curt se junta.

American Graffiti foi indicado a cinco Oscars, incluindo Melhor Filme e diretor. Com o tempo, tornou-se um cult-classic. A mais conhecida referência aos "Happy days" da América Rock'n'Roll dos anos 50.

More American Graffiti (1979) é a sequência do sucesso "good times" American Graffiti (dirigido por Lucas em 1973). Enquanto o original acompanhava as tripulias de um grupo de adolescentes em sua última noite de verão antes de partirem para vida adulta, esta continuação mostra o que aconteceu com os personagens alguns anos depois.
Orçado em US$ 3 milhões, More American Graffiti faturou US$ 8 milhões nos cinemas americanos. Uma tímida performance comercial se comparado ao antecessor. A recepção crítica também não foi das melhores, destacando sua ambição fracassada de inovar um tema desgastado.

Assim começa Guerra nas Estrelas (Star Wars - 1977), primeiro filme de uma série que viria a se tornar o maior fenômeno cinematográfico das últimas décadas.

Um dos momentos principais em cada episódio da série, são os duelos de Sabre-de-luz entre os Jedi e os Sith.

O Sabre-de-luz é a elegante arma dos Cavaleiros de Jedi, dando uma conotação Samurai high-tech aos personagens. Caracteriza-se como uma espada laser, em diferentes cores que emite um som único, vibrante, disparando flashes luminosos a cada impacto de seus golpes.O primeiro duelo de Sabre-de-luz, acontece num hangar da Estrela da Morte, entre o veterano Mestre Jedi, Obi-Wan Kenobi (Alec Guiness) e seu antigo aprendiz, Darth Vader.

Além de revolucionário cinemáticamente, Star Wars é uma apurada produção de George Lucas. Seu elenco inclui atores como Alec Guiness, Peter Cushing e o futuro superastro, Harrison Ford. A premiada trilha-sonora de John Williams tornou-se um clássico conhecido mundialmente e a direção de arte usa como referência, o design elegante das naves espaciais de antigos seriados como Flash Gordon.

Star Wars foi indicado a doze Oscars, vencendo nove. Entre eles, melhor direção de arte, edição e efeitos especiais.

O impacto do filme atravessou fronteiras, dando início à uma cultura própria do universo Star Wars, criada por uma enorme legião de fãs em todo o mundo.

Apesar de tudo isso, quando foi lançado nos cinemas, poucas salas concordaram em exibir o filme por não acreditarem em seu potêncial sucesso. Após um forte lobby feito pela 20th Century Fox, Star Wars foi amplamente exibido, tornando-se um imediato estouro de bilheteria. Em três semanas, as ações da Fox dobraram seu valor, e Lucas ficou milionário.

Admiradores incondicionais do cineasta japones, Akira Kurosawa, Lucas e Francis Coppola são creditados como produtores executivos na versão internacional de Kagemusha, a Sombra do Samurai (Kagemusha, 1980), depois de convencerem a 20th Century Fox a completar o orçamento da produção após a falência da Toho Studio.
Mundialmente aclamado, Kagemusha foi indicado ao Oscar (filme estrangeiro e direção de arte), Globo de Ouro (filme estrangeiro), venceu dois prêmios BAFTA (direção e figurino), o César de filme estrangeiro, e dividiu com All That Jazz (dirigido por Bob Fosse) a Palma de Ouro no Festival de Cannes de 1980.

Selecionado para o Festival de Cannes de 1985, Mishima recebeu o prêmio de Melhor Contribuição Artística.

A Zoetrope não teve sucesso, mas com o resultado financeiro de American Graffiti e Star Wars, Lucas conseguiu montar sua produtora, a Lucasfilm Ltd.

A partir dela, nasceram as sub-divisões que tornaram-se as empresas mais respeitadas em suas áreas, desenvolvendo novas tecnologias nas áreas de som e efeitos visuais.

A Skywalker Sound e a Industrial Light & Magic, são responsáveis por diversos avanços tecnológicos para o cinema, entre eles, o THX Sound System, que predomina como padrão de excelência em áudio.

Além dessas, a LucasArts participa da indústria de videogames, onde é muito bem situada.

O estúdio de animação Pixar, foi fundado como uma sub-divisão do departamento de computação da Lucasfilm. A tecnologia desenvolvida pela Pixar, revolucionou o campo de efeitos especiais a partir do filme O Jovem Sherlock Holmes (Young Sherlock Holmes - 1986), produzido por Steven Spielberg, que exibe a primeira sequência animada por computação gráfica do cinema.

Após deixar a Apple em 1986, Steve Jobs comprou a Pixar por US$ 5 milhões. Após vinte anos e vários sucessos, em 2004, a Disney assumiu a Pixar, pagando US$ 7 bilhões.

Lucas também teve forte influência no desenvolvimento de modernas ferramentas para pós-produção, como o Avid Film & Video Editor e o Digidesign Pro Tools, programa para edição e mixagem de áudio.

O roteiro leva a assinatura de Lawrence Kasdan, que também roteirizou Os Caçadores da Arca Perdida (Raiders of The Lost Ark), primeiro filme da série Indiana Jones, produzida por Lucas e dirigida por Steven Spielberg.

Após ficar famoso como roteirista, Kasdan passou a dirigir e produzir seus próprios filmes. Os dois primeiros - Corpos Ardentes (Body Heat - 1981) e O Reencontro (The Big Chill - 1983), tiveram sucesso imediato, assim como O Guarda-Costas (The Bodyguard - 1992).O roteiro de Kasdan levou Star Wars a um nível mais dramático, sem um "happy end" para nossos heróis. Nesse episódio, somos apresentados a quatro novos personagens:

À essa altura, a estrutura de produção da Lucasfilm encontrava-se bastante desenvolvida, financeira e tecnológicamente, com sólidas condições para realizar um filme visualmente superior ao anterior.

A pesar de ser um capítulo intermediário da saga (e sem final feliz), O Império Contra-Ataca tornou-se a maior bilheteria de 1980, e até hoje, é considerado pelos fãs como um dos melhores episódios da série.

Neste último capítulo, testemunhamos o confronto final entre Luke Skywalker, agora um Cavaleiro Jedi, e Darth Vader, encerrando o regime do Império Galático, trazendo ao fim o conflito e restaurando a paz na galáxia.

O confronto final entre Skywalker e Vader no Episódio VI deixa a desejar. Os fracos e melodramáticos diálogos atrapalham o rítmo do combate. Além disso, a edição lenta entre as ações simultâneas da batalha estelar e na Lua de Endor, também contribuem para o lento desenrolar da ação.A coreografia da luta é mal executada por Mark Hamill e David Prowse, apesar do entrosamento da dupla durante o duelo anterior no Episódio V.

Ainda assim, a cena não deixa de ter força própria pois, trata-se do longamente aguardado confronto final entre os personagens, diante do sinistro Imperador, que até então, teve pouca participação na série.

Caçadores da Arca Perdida foi a maior bilheteria de 1981, e até hoje, ocupa o posto de um dos filmes mais lucrativos de todos os tempos. Teve nove indicações ao Oscar (incluindo Melhor Filme), e venceu cinco: direção de arte, edição, som, edição de som e efeitos especiais.

Seu enorme sucesso assegurou a continuação da série, gerou livros, história em quadrinhos, jogos e a série de TV, O Jovem Indiana Jones (The Young Indiana Jones Chronicles), que revela fatos sobre a juventude do personagem.

Nessa aventura, Indy conta com a ajuda do parceiro-mirín, "Short Round" (Jonathan Ke Quan), junto com a afetada cantora de cabaré, Willie Scott (Kate Capshaw, que após o filme, tornou-se esposa de Spielberg).

A história escrita por Lucas começa com uma sequência onde o jovem Indiana Jones (River Phoenix) tenta impedir o roubo de um artefato histórico.Anos depois, Indiana Jones volta a enfrentar os nazistas que sequestraram seu pai com a intenção de se apoderar do Cálice Sagrado e seus poderes.

Maior bilheteria de 1989, Indiana Jones e a Última Cruzada encerra a trilogia. Mas a parceria de George Lucas com Steven Spielberg seria retomada dezenove anos depois, com mais uma aventura do arqueólogo aventureiro.

Willow estreou no Festival de Cannes de 1988 e teve um grande lançamento nos cinemas americanos. Mas a reação do público e da crítica foi indiferente. Lucas ficou decepcionado com a repercussão do filme que faturou "apenas" US$ 57 milhões. Sua expectativa era que Willow gerasse um impacto semelhante a E.T. - O Extra-Terrestre, mas o filme teve que competir com "blockbusters" do verão americano como Quero Ser Grande (Big) e Rambo III.

Seu sonho durou exatamente a fabricação de 50 unidades do Tucker, levando-o à falência. Mas seu legado está registrado na história automotiva. Assim como o carro, o filme também amargou o fracasso, faturando apenas US$ 19 milhões enquanto seu custo foi de US$ 24 milhões.

Em 1999, George Lucas retoma a mais famosa saga de todos os tempos, iniciando uma nova trilogia com os Episódios I, II e III que narram os eventos anteriores à trilogia passada.

Star Wars, Episódio I - A Ameaça Fantasma (Episode I - The Phantom Menace), dá início à história de Anakin Skywalker, o menino que, segundo uma lenda Jedi, seria "O Escolhido", aquele que destruiría os Siths e traria equilíbrio à Força. Mas a profecia não se realiza e, comrrompido, o menino Anakin virá a se tornar o Lorde Sith, Darth Vader.

Neste episódio, somos apresentados aos personagens que farão parte da nova trilogia:George Lucas começou a escrever a nova trilogia em novembro de 1994, adaptando o argumento original de 1976, usado como guia para delinear os personagens e os eventos que precedem a trilogia anterior.

Originalmente, o título seria "The Beginning" (O Começo), mas foi mudado para A Ameaça Fantasma numa alusão à verdadeira natureza dos personagens de Skywalker e do Senador Palpitine, que viriam a se tornar, respectivamente, Darth Vader e o Lorde Sith, Darth Sidious.

O filme foi práticamente, todo rodado em estúdios com a utilização de fundo azul, para a posterior inserção digital dos cenários criados em computação gráfica.

As únicas cenas rodadas externamente, tiveram como locação o deserto da Tunísia (onde foram filmadas as cenas do planeta Tatooine deste filme e do primeiro, em 1977) e o Palácio Caserta, na Itália, que serviu de cenário para as alas majestosas do Castelo Imperial de Naboo.

A tecnologia digital desenvolvida nos últimos 22 anos pela IL&M, possibilitou a Lucas, levar às telas sequências visualmente deslumbrantes, como a corrida de "pods", uma versão sci-fi da corrida de bigas do épico, Ben-Hur.

Na nova trilogia, os duelos de sabre de luz chegam ao ápice.

Lucas dá maior ênfase aos poderes de um Cavaleiro Jedi ao empunhar sua arma, pois os novos filmes se passam na época áurea dos Jedi, quando suas habilidades com a espada-laser em combate, são impecáveis.

No Episódio I, o Mestre Jedi Qui-Gon Jinn (Liam Neeson) e seu aprendiz Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor), enfrentam o poderoso Sith, Darth Maul (interpretado por Ray Parks, profissionalmente, um mestre das artes marciais que contribuiu muito para o realismo das coreografias).Darth Maul enfrenta a dupla de Jedis com um Sabre-de-luz duplo, demonstrando uma grande superioridade.

Neste duelo, fica clara a característica Jedi de evitar o medo e não se deixar levar pela raiva. A postura do mestre e seu aprendiz é totalmente concentrada, despregada de emoções e focada no combate, enquanto que seu oponente demonstra arrogância e ódio por seus rivais.
A trilha-sonora do duelo composta por John Williams, tornou-se o tema musical da nova trilogia.

Com o título Duel of the Fates (Duelo dos Destinos), a música conta com a participação do coral London Voices, que dá um clima épico, quase religioso à cena, enaltecendo os cenários onde se passa o duelo.Star Wars, Episódio I - A Ameaça Fantasma, foi a maior bilheteria de 1999, e após faturar US$ 924 milhões mundialmente, tornou-se o nono filme mais lucrativo da história do cinema até hoje.

Star Wars, Episódio II - O Ataque dos Clones (Episode II - Attack of The Clones - 2002), passa-se dez anos após os eventos do Episódio I, quando a galáxia encontra-se à beira de uma guerra civil.

O Episódio II, destaca-se como mais uma revolução de Lucas por ser o primeiro filme inteiramente rodado no Sistema de Alta Definição Digital. Apesar disso, e diferente de seus antecessores, foi o único episódio da série que não ocupou o posto de maior bilheteria do ano, derrotado por filmes como Homem-Aranha e O Senhor dos Anéis.

Neste episódio, destacam-se os seguintes personagens:

Também conhecemos a origem do exército de clones gerados para servir a República no conflito conhecido como as Guerras Clônicas. Genéticamente manipulados, os soldados se converterão na Tropa de Choque do Império Galático.

No clímax do Episódio II, Obi-Wan e Anakin enfrentam juntos o poderoso Conde Dooku (Christopher Lee), ex-Mestre Jedi que revela-se como o Lorde Sith, Tyrannus.

Christopher Lee empunha elegantemente seu Sabre-de-luz de cor vermelha e cabo desenhado em curvas, diferente de todos os outros sabres já vistos. O cenário de sombras absorve seu traje negro e destaca as luzes das espadas, dando um colorido especial ao duelo.

Após derrotar Obi-Wan, Tyrannus enfrenta Anakin, que luta com duas espadas contra a habilidade superior do Lorde Sith. Novamente, sob pouca luz, os sabres se sobressaem, mais vibrantes e coloridos, delineando os movimentos.

Para reforçar a relativa "fraca" performance do filme nas bilheterias, O Ataque dos Clones foi remasterizado digitalmente e convertido para o sistema IMAX, para exibição nas mega-salas do sistema de projeção em telas com dimensões de 22 metros de largura por 16 metros de altura.

Star Wars, Episódio III: A Vingança dos Sith (Episode III: Revenge of the Sith - 2005), passa-se três anos após o início das Guerras Clônicas e narra o drama de Anakin Skywalker ao finalmente sucumbir ao lado obscuro da Força, transformando-se no sinistro vilão, Darth Vader.
Além de mostrar a desgraça de Anakin, neste capítulo vemos o fim da Ordem Jedi e o surgimento do Império Galático, governado pelos Siths.
A tecnologia de Alta Definição criada para o filme, permitia a Lucas, enviar o material filmado para os editores no mesmo dia. Este processo levaria pelo menos, 24 hrs. se filmado em película. Diáriamente, o material filmado era enviado a editores do Skywalker Ranch, na Califórnia, e à outra unidade, em locação na Austrália.

A pós-produção também foi revolucionária, ao criar efeitos especiais assimilando diversos formatos, como modelos em miniatura, computação gráfica e estruturas mecânicas.

Este complexo modelo de fusão de tecnologias, fez com que a finalização do filme levasse dois anos para se completar. A Vingança dos Sith tem 2.151 tomadas com aplicação de efeitos especiais. Um recorde mundial.

Desde o grande sucesso de Guerra nas Estrelas em 1977, a única coisa que Lucas revelou sobre como Vader ficou confinado à sua negra armadura, foi que ele teria sido gravamente ferido durante um duelo com Obi-Wan Kenobi. Os detalhes sobre o que aconteceu a Vader nesse duelo, nunca tinham sido revelados, deixando milhões de fãs em suspense por quase 28 anos.

O impressionante duelo entre Obi-Wan e Anakin no planeta vulcânico Mustafar, foi uma cena exaustivamente trabalhada por 910 artistas que levavam em média, 70 mil horas para produzir 49 segundos de material digitalmente tratado.

Ampliando o universo de Star Wars, Lucas produziu A Guerra dos Clones (The Clone Wars, 2008), primeiro longa-metragem animado em computação gráfica da franquia.

O período das Guerras Clônicas situa-se entre o Episódio II (O Ataque dos Clones) e o Episódio III (A Vingança dos Sith), quando os Jedi lideram exército de clones da República contra as Forças Separatistas comandadas pelo Conde Dooku, que visa o domínio da galáxia pelos Sith.
O longa-metragem deu origem à uma nova série para TV.

Star Wars firmou-se como um marco na história do cinema.
Além de conquistar milhões de fãs no mundo inteiro, a saga é reverenciada por ter influênciado diretamente a carreira de grandes cineastas americanos.Após o impacto de Star Wars, Steven Spielberg assimilou a magia extra-terrestre em Contatos Imediatos do Terceiro Grau. Ridley Scott adotou a concepção visual futurista em Alien. James Cameron inspirou-se em Darth Vader na criação de seu Exterminador do Futuro, e Peter Jackson filmou sua própria trilogia adaptando o clássico, O Senhor dos Anéis.

Estes e muitos outros, revelaram-se discípulos de Lucas após terem sido encantados por seu mágico universo.

Maior cineasta independente de todos os tempos, além de genial e revolucionário, George Lucas também é um habilidoso homem de negócios. Segundo a revista Forbes, sua fotuna pessoal ultrapassa US$ 3,5 bilhões, e ao longo dos últimos 30 anos, sua franquia Star Wars gerou um fantástico lucro estimado em mais de US$ 20 bilhões.

Mais dois anos se passaram até a aprovação do roteiro, e finalmente, a produção decolou.

Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal (Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull, 2008) situa-se em 1957 (19 anos após a Última Cruzada) e segue a linha dos filmes "B" sci-fi da década. Nessa época marcada pela Guerra Fria, os russos tornaram-se os vilões da história, substituindo os nazistas dos filmes anteriores. Na primeira cena, Indiana enfrenta um grupo de espiões russos liderados pela coronel Irina "donzela-de-ferro" Spalko (Cate Blanchett).
A ação se passa num hangar da misteriosa base militar conhecida como "Área 51", no deserto de Nevada. Em poder dos russos, Indiana é obrigado a encontrar um caixão magnético que, supostamente, conteria o corpo de um extra-terrestre encontrado dez antes em Roswell, Novo México (notória conspiração alienígena dos anos 50).Curiosamente, a sequência faz uma referência ao primeiro filme da série ao revelar que este, é o mesmo depósito onde a Arca da Aliança permanece estocada há anos.
A produção optou utilizar mais efeitos práticos e dublês, reduzindo a estética virtual da computação gráfica. Contudo, 450 tomadas foram finalizadas digitalmente, como a perseguição na selva e a explosão da bomba nuclear.A direção de arte também teve muito trabalho ao criar cenários grandiosos como o interior da pirâmide de Akator.
Após graduar-se na USC (University of Southern California School of Cinematic Arts) e realizar o curta-metragem Electronic Labyrinth: THX 1138 4EB (adaptado em 1970 como THX 1138, seu primeiro longa-metragem, ), em 1968, Lucas recebeu uma bolsa de estudos da Warner Bros. para observar a produção de Finian's Rainbow, dirigido por Coppola, ídolo dos estudantes de cinema da época.

Pela Zoetrope, Coppola produziu os dois primeiros filmes de Lucas: THX 1138 e o sucesso American Graffitti. Juntos, desenvolveram o ambicioso projeto Apocalypse Now, que seria originalmente dirigido por Lucas após Star Wars, mas devido a inúmeros problemas na demorada pré-produção, Lucas abandonou o projeto e encerrou sua parceria com Coppola na American Zoetrope.

Antes de Indiana Jones, Lucas e Ford já eram amigos e parceiros. Em American Graffitti, Ford interpretou o rival de corridas de rachas, e na sequência, foi escalado por Lucas para o papel de Han Solo em Star Wars, personagem que levou Ford ao estrelato mundial.

STANLEY KUBRICK

2008-09-01T22:57:00.003-07:00

Stanley Kubrick (julho, 1928 - março, 1999) foi um dos mais influêntes cineastas da história do cinema, dono de uma aclamada e, muitas vezes, controversa filmografia.

Kubrick era reconhecido por sua singular escolha de temas e pela variedade de gêneros que abordava. Seu lento e perfeccionista método de trabalho e sua extrema preservação de sua vida profissional e pessoal, tornaram-se características notórias do diretor.

Em 1946, estagiou como fotógrafo na revista Look. Neste período, Kubrick frequentava exibições de filmes experimentais no Museu de Arte Moderna de Nova York, onde conheceu o trabalho do diretor Max Ophuls, que apresentava movimentos de camera que mais tarde, influenciaram seu estilo visual.

O primeiro média-metragem de Kubrick chamou-se Fear And Desire (1953 - sem título em português), sobre um grupo de soldados que fica preso atrás das linhas inimigas numa guerra fictícia. Kubrick e sua esposa na época, Toba Metz, eram os únicos na equipe do filme que teve boas críticas, mas não deu retorno financeiro.Anos depois, Kubrick confessou ter vergonha deste trabalho, classificando-o como um "empreendimento amadorístico". Fez tudo que pôde para mantê-lo fora de circulação, recusando permissões para qualquer tipo de exibição, incluindo retrospectivas. Uma cópia sobreviveu no acervo de um colecionador e foi lançada em vídeo VHS e DVD.

O Grande Golpe (The Killing, 1956) é o primeiro longa-metragem de Kubrick, produzido e filmado com elenco e equipe profissional. Baseado num conto chamado Clean Break, o filme narra o assalto a um hipódromo que fracassa.

Glória Feita de Sangue foi aclamado por sua fotografia em preto-e-branco que captou de forma inédita, as elaboradas cenas de combate planejadas pelo diretor. O filme não teve um significativo sucesso comercial, mas foi amplamente aclamado pela crítica e admirado pela indústria cinematográfica, estabelecendo Kubrick como cineasta.

Enquanto desenvolvia vários roteiros que não chegaram a ser produzidos, Kubrick foi convidado por Kirk Douglas para assumir a direção de seu épico, Spartacus (1960).

Apesar dos problemas no set, o filme foi um sucesso de crítica e bilheteria. Essa conturbada experiência fez Kubrick buscar um método de trabalho que lhe permitisse contar com financiamento de Hollywood e, ao mesmo tempo, manter-se independente de seu sistema de produção.

Kubrick muda-se para a Inglaterra onde morou até o fim da vida. Lá, filmou Lolita (1962), primeira obra marcada pela controvérsia em sua filmografia.

Baseado no notório e "obsceno" livro do novelista russo-americano Vladimir Nabokov, Lolita narra a estranha relação entre o professor Humbert (James Mason), um homem de meia-idade, e sua enteada de 12 anos.

Kubrick convidou o próprio Nabokov para adaptar seu livro às telas. Inicialmente, o escritor apresentou um roteiro de 400 páginas, mais tarde reduzindo-o para 200. A versão final foi escrita por Kubrick e estima-se que apenas 20% do trabalho de Nabokov permaneceu no roteiro.

O filme enfrentou sérias batalhas com a censura antes de seu lançamento. Kubrick tentou amenizar alguns elementos sexuais da história, alterando a idade de Lolita de 12 para 14 anos e omitindo toda referência sobre a ninfomania de Humbert. Mesmo assim, muitas cenas tiveram que ser re-editadas para satisfazer os censores. Como resultado, os aspectos mais "perversos" da história foram reduzidos, dando margem à interpretações da audiência.

Kubrick declarou que "se soubesse que enfrentaria severa intervenção da censura, talvez não tivesse feito o filme".

Seu filme seguinte, Dr. Fantástico (Dr. Strangelove or: How I Learned To Stop Worrying and Love The Bomb, 1964) tornou-se um clássico cult-movie.

Baseado no livro Red Alert, que descreve uma guerra atômica iniciada acidentalmente, transformou-se numa sinistra e macabra comédia na visão de Kubrick.

A história gira em torno de um ataque nuclear americano à União Soviética, iniciado por um General renegado da Força Aérea, sem nenhuma autorização oficial do governo. A situação fica negra quando os bombardeiros B-52 atingem a posição "Fail-Safe", de onde só retornarão com um código conhecido apenas pelo General.

É aí que conhecemos o Dr. Fantástico (um dos três personagens interpretados por Peter Sellers). Seus planos Nazistas para assegurar a sobrevivência dos mais fortes no caso de um holocausto nuclear, é o ponto alto do humor-negro característico do filme.

Contratado para quatro papéis, Sellers terminou fazendo apenas três, devido a um ferimento na perna e à sua dificuldade em dominar o sotaque texano do quarto personagem, o Major "King" Kong (Slim Pickens), piloto do bombardeiro que consegue chegar ao seu alvo.

Kubrick considerou Sellers maravilhoso, mas lamentou o fato de que a energia maníaca do ator, raramente durava mais do que duas ou três tomadas. Para resolver este problema, Kubrick rodava duas cameras simultâneamente enquanto Sellers improvisava por horas.

Indicado a quatro Oscars (incluindo melhor filme e diretor), Dr. Fantástico mostra-se irreverênte às políticas de guerra americanas, antecipando o movimento pacifista do fim dos anos 60 que explodiu em protestos públicos pelo país alguns anos após o lançamento do filme.

O roteiro foi escrito por Kubrick em parceria com o autor, Arthur C. Clarke, a partir de seu livro, The Sentinel, sobre a descoberta de um artefacto na lua, que supostamente teria sido deixado lá por alienígenas há bilhões de anos atrás.

Segue-se então, a clássica sequência da aproximação de uma nave comercial da extinta Pan-Am em direção à uma estação espacial ao som da valsa Danúbio Azul, de Johann Strauss. A utilização de música clássica ao ivés de uma trilha-sonora original é uma das características do filme. Also Sprach Zarathustra, de Richard Strauss, é utilizada várias vezes, eternizando-se como tema musical do filme.

A inclusão de música incidental não estava nos planos de Kubrick. Ele havia contratado o compositor Alex North para criar uma trilha original, mas durante o processo de edição, decidiu que a trilha que havia construído estava perfeita e resolveu mantê-la na versão final.

A história segue com a descoberta de outro monolito na lua que, ao tocado, emite um sinal em direção a Júpiter. Outro corte abrupto e nos vemos a bordo da Discovery, uma nave tripulada por dois astronautas e uma equipe em hibernação, todos monitorados pelo computador central da nave, chamado HAL 9000. O objetivo da missão: chegar a Júpiter e desvendar o mistério do monolito.

O perfeccionismo de Kubrick encontra-se evidente em 2001. A vida no espaço é mostrada de forma realista, com a noção de leveza resultante da falta de gravidade e o silêncio do vácuo, interrompido apenas pelo som dos equipamentos. Além disso, empresas de manufatura foram consultadas sobre o futuro design de objetos cotidianos.2001: Uma Odisséia no Espaço tornou-se um dos maiores clássicos da ficção-científica, mas seu sucesso não foi imediato. A reação inicial da crítica foi extremamente hostil, atacando a falta de diálogos, o lento rítmo e o enredo enigmático do filme. Ao mesmo tempo, o boca-a-boca promovido pela audiência jovem da contra-cultura dos anos 60 (principalmente sobre a sequência psicodélica da viagem final), alavancaram o sucesso comercial do filme.

Desde seu lançamento em 1968, o filme continua a fascinar a audiência contemporânea. Inúmeras interpretações de seu complexo e ambíguo final ainda são debatidas hoje.

Depois de 2001, Kubrick nunca mais experimentou formas narrativas radicais, apesar de seus filmes seguintes apresentarem algum nível de ambiguidade.Kubrick recebeu indicações ao Oscar de direção, roteiro, e produção, mas venceu apenas por supervisionar os efeitos visuais. Este foi o único Oscar na carreira do cineasta.

Sob o Domínio do Medo (Straw Dogs, dirigido por Sam Peckinpah) e Perseguidor Implacável (Dirty Harry, com Clint Eastwood) também foram lançados em 1971. Junto a Laranja Mecânica, os três filmes geraram um debate feroz na mídia sobre os efeitos sociais da violência no cinema.

Com a controvérsia, Kubrick recebeu ameaças de morte e decidiu encerrar a circulação do filme na Inglaterra, fato que durou até 2000, um ano após a sua morte.

Inicialmente, a intenção de Kubrick era filmar outra obra de Thackeray, A Feira das Vaidades (Vanity Fair), a qual considera ser a obra-prima do escritor. No entanto, julgou ser incapaz de transpôr todo o conteúdo do livro à tela, preferindo adaptar a trama sobre Barry Lyndon.

As opiniões sobre o filme divergem. Seu lento rítmo em mais de três horas de duração, desagradou à grande parte da audiência. Alguns acharam sua narrativa fria e inexpressiva. Mesmo assim, o filme recebeu sete indicações ao Oscar, vencendo quatro (direção de arte, fotografia, figurino e trilha-sonora, adaptada a partir da obra de Schubert e Handel). As outras três indicações, diziam respeito a Kubrick (filme, direção e roteiro adaptado).

Apesar de ser a obra mais premiada do diretor, Barry Lyndon não teve sucesso comercial nos Estados Unidos, alcançando uma audiência maior na Europa, principalmente na França.

Filmado quase inteiramente em estúdios para retratar a opressão claustrofóbica do hotel, O Iluminado marcou o início da era do Steady-Cam. Invenção recente na época, a camera tem seu peso balanceado por um suporte que permite movimentos suaves em espaços apertados.

O Iluminado estreiou com críticas negativas, mas mostrou-se comercialmente rentável. Nos anos seguintes, atingiu o status de cult-movie para os fãs do gênero. Algumas cenas - como a do elevador liberando uma onda de sangue - entraram para história do cinema de horror.

Sete anos se passaram até o lançamento de Nascido Para Matar (Full Metal Jacket, 1987). Kubrick disse que se interessou pela história porque "ela não é contra ou a favor da guerra e não tem posicionamento moral ou político. Ela apenas mostra a situação do jeito que ela é."

A primeira parte do filme se passa no Setor de Recrutas da Base dos Fuzileiros de Parris Island, Carolina do Sul, 1967. Sob o comando do Sargento Instrutor Hartman (R. Lee Ermey), os aspirantes Joker (Matthew Modine), Evans (Arliss Howard) e Lawrence (Vincent D'Onofrio), atravessam o treinamento básico que fará com que deixem de ser "vermes desprezíveis" e os transformará em Fuzileiros Matadores.

A impressionante performance de R. Lee Ermey como o Sargento Hartman, é resultado de seu passado como um verdadeiro Sargento Instrutor, profissão que exerceu por anos antes de ingressar no cinema como consultor em vários filmes de guerra, e até participando deles em pequenos papéis. Após Nascido Para Matar, Ermey recebeu várias propostas, e dedicou-se integralmente à carreira de ator.

Antes do início das filmagens, ele alertou os atores sobre as agressões que iriam sofrer por parte de seu personagem. E assim foi. Usando sua experiência militar, improvisou os extremos diálogos de treinamento de forma impressionante, surpreendendo os atores, a equipe, e chocando o público.

Rodar um filme sobre a Guerra do Vietnam na Inglaterra provou-se um desafio para Kubrick e sua equipe. A maior parte das cenas foi filmada na área portuária de Londres, onde foram criados os cenários das ruínas da cidade de Hue. Visualmente, Nascido Para Matar diferencia-se dos filmes sobre o Vietnam rodados no sudeste asiático. Ao invés de floresta tropical, os combates acontecem em ruínas urbanas, iluminadas apenas pelas chamas dos prédios.

Kubrick quase não apareceu em Hollywood por uma década após o lançamento de Nascido Para Matar. Só se ouviam rumores sobre novos projetos, incluindo A.I.: Inteligência Artificial, dirigido por Spielberg após a morte de Kubrick.

Após sua esposa, Alice (Kidman) derrubar seu conceito de fidelidade confessando sua fantasia em abandonar tudo - casamento, e família - por uma noite com outro homem, o Dr. Harford (Cruise), envenenado pela dúvida e pelo ciúme, vaga sem rumo pelo submundo sexual de Nova York.

Inadvertidamente, acaba penetrando num sinistro culto sexual realizado numa mansão fora da cidade. Descoberto, é obrigado a revelar-se, mas consegue escapar. Depois disso, inicia-se uma série de fatos misteriosos levando Harford à conclusão de que se envolvera em algo obscuro, muito além daquilo que inconsciêntemente buscava.

Assim como Lolita e Laranja Mecânica, De Olhos Bem Fechados teve que encarar a censura antes de seu lançamento nos Estados Unidos e no Canada. Figuras digitalmente produzidas foram estratégicamente posicionadas para mascarar as cenas de copulação explícita e garantir uma categoria "R" ao filme. Isso não aconteceu na versão internacional, que foi lançada na íntegra, sem cortes.

Amplamente reconhecido como um dos mais inovadores e influêntes cineastas da história do cinema, Kubrick realizou diversos filmes controversos porém aclamados, marcados por seu estilo visual e pelo detalhismo meticuloso gerado por sua natureza perfecionista-obsessiva. Muitos consideram sua linguagem pessimista e irônica, mas numa análise mais profunda, repara-se que seus filmes incluem um cauteloso e subliminar otimismo.

Stanley Kubrick é considerado um mestre. Em sua obra, figuram alguns dos mais originais, provocativos e visionários filmes realizados em sua época.

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